리슨투언 @ativ_official X @overprotocol .함께 하실래요? 제 음악도 함께합니다 +_+!.

상처를 음악으로 승화시키는 뮤지션들의 공통점은 건강한 거리두기였다. 감정에 완전히 빠지지 않으면서도 진정성을 잃지 않는 균형감각이 있었다. 상처를 음악으로 승화시키고 싶다면 시간 조절을 잊지 말자. 깊이 파되 너무 오래 머물지 않고, 완성 후의 후련함과 공감받는 기쁨을 경험해보자.

8. 슬픈 이야기가 다른 사람들에게 공명해서 위로가 되는 것을 경험했다. 9. 상처를 너무 깊게 파면 더 빠지기 쉽기 때문에 작업 시간 조절이나 쉬는 시간을 적극 활용했다. 10. 음악 작업을 하나의 수련처럼 받아들이며 꾸준히 지속했다.

5. 우울이나 부정적 감정을 하나의 페르소나나 화자를 빌려서 표현하고 해소했다. 6. 곡을 완성하고 세상에 공개했을 때 후련한 느낌을 받았다. 7. 자신의 진짜 감정이 담긴 음악에 리스너들이 조금이라도 긍정적 반응을 보이면 엄청 기뻐했다.

2. 우울을 음악으로 승화시키면서 살아갈 에너지를 얻는다고 했다. 3. 몰입과 집중을 통해 부정적인 에너지를 긍정적인 쪽으로 바꾸는 작업을 했다. 4. 음악의 표현 자유를 활용해 직접적으로든 은유적으로든 자신만의 방식으로 표현했다.

상처나 아픔을 겪으면서도 음악을 통해 이를 극복하는 뮤지션들이 있다. 100명의 뮤지션을 인터뷰하면서 발견한 점이 있다. 자신의 상처를 음악으로 승화시키는 뮤지션들만의 특별한 방법이 있었다. 🧵. 1. "음악은 샌드백과 같다"며 분노나 부정적 감정을 표출할 창구로 활용했다.

고등학교 1학년 때부터 전공을 지향하며 피아노를 공부하기 시작했다. 동창회에서 만난 친구들과 같은 길을 걸었지만, 그 시작점의 감동을 잊지 않으려고 했다. 재즈에서 느꼈던 자유로움과 소통의 기쁨. 그것이 지금까지 음악을 계속하게 만드는 원동력이었다. 중3의 그 순간이 없었다면 지금의 나도.

무대 위에서 벌어지는 즉흥적인 대화가 신기했다. 미리 정해진 악보가 아니라 그 순간의 영감으로 만들어지는 음악. 서로의 연주를 듣고 반응하며 새로운 것을 창조해내는 과정. 경쟁이 아니라 협력으로 만들어지는 아름다움이었다.

중학교 3학년 때 방과후 기타 수업 중에 재즈 기타리스트를 만났다. 그때까지는 음악이 그저 취미 정도였다. 하지만 첫 재즈 콘서트를 경험한 후, 음악가들 간의 소통과 기쁨에 깊이 감동받았다. 연주자들의 자유로움을 동경했다. 그 순간이 모든 것을 바꿨다.

재즈 이야기가 즐거우셨나요?. "재즈를 통해 만나는 음악과 인생의 즉흥연주". [이런 이야기를 나눕니다].- 재즈 음악인들의 숨겨진 이야기와 철학.- 현장에서 만나는 뮤지션들과의 진솔한 인터뷰.- 재즈를 통해 바라보는 우리의 일상과 문화.

이런 접근법은 Ornette Coleman, Charlie Haden, Steve Swallow, Pat Metheny의 음악과도 연관성이 있었다. 카리브해/칼립소 음악과 브라질 음악의 영향도 받았다. 하지만 결과적으로는 완전히 Keith Jarrett만의 독특한 언어가 되었다. 미국 민속음악의 뿌리와 현대 재즈의 정교함이 만나면서 탄생한.

'Country'나 카네기 홀 공연의 앙코르 곡인 'The Good America'가 이러한 특징을 잘 보여준다. 복잡한 화성 진행보다는 명료하고 따뜻한 3화음의 울림을 중시했다. 대위법과 내성부 움직임에 더 관심을 보였다. 각 성부가 독립적으로 움직이면서도 전체적으로 조화를 이루는 바로크 음악의 원리를.

Keith Jarrett은 자신만의 '아메리칸 사운드'를 개발했다. 가스펠이나 찬송가 같은 요소를 포함하는 독특한 음악적 언어였다. 다른 재즈 피아니스트들이 사용하지 않던 3화음(triads)을 즉흥 연주에 적극적으로 활용했다. McCoy Tyner 같은 4도 보이싱보다는 더 단순하면서도 직접적인 감동을 주는.

좋은 가사를 쓰는 뮤지션들의 공통점은 끊임없는 관찰과 기록이었다. 일상의 모든 순간에서 가사의 재료를 찾고, 자신만의 방식으로 보관하며, 지속적으로 개선하려는 노력이 좋은 가사를 만들었다. 좋은 가사를 쓰고 싶다면 먼저 많이 써보자. 부족함을 인정하고 계속 쓰다 보면, 언젠가는 누군가의.

8. 일상의 대화에서 나오는 자연스러운 표현들을 놓치지 않고 메모했다. 9. 같은 감정이라도 다양한 방식으로 표현해보는 연습을 했다. 10. 완성된 가사를 다른 사람에게 들려주고 피드백을 받는 과정을 거쳤다.

5. 단어상자를 만들어서 스크랩하거나 메모지에 적은 단어들을 한 상자에 보관했다. 6. "어떻게 나의 시선을 다른 사람들에게 공감되게 할 수 있을까" 고민을 많이 했다. 7. 다른 사람들의 좋은 가사를 분석하고 왜 좋은지 연구했다.

2. "5초만 미치자"를 "5 seconds"로 표현하는 것처럼 메시지를 함축적으로 담았다. 3. 일기를 쓰는 습관으로 일상의 감정과 생각들을 기록해뒀다. 4. 간단한 메모장에 떠오르는 아이디어들을 즉시 적어놨다.

좋은 가사를 쓰고 싶은데 어떻게 해야 할지 모르겠다는 뮤지션들이 많다. 100명의 뮤지션을 인터뷰하면서 발견한 점이 있다. 좋은 가사를 쓰는 뮤지션들만의 특별한 습관이 있었다. 🧵. 1. 가사를 많이 자주 쓰는데, 스스로가 부족하고 더 잘 쓰고 싶다는 욕구 때문이었다.

계속하는 사람들은 도대체 얼마나 강하고 어떤 생각을 가지고 활동하면서 버텼을까? VMR은 그 질문에서 시작되었다. 성공한 뮤지션들의 화려한 이야기가 아니라, 포기하고 싶었던 순간들을 어떻게 견뎠는지가 알고 싶었다. 그날의 스모키한 공기 속에서 피어난 궁금증이 100명의 인터뷰로 이어졌다.

그날 밤, 술잔을 기울이며 나눈 이야기들이 마음에 남았다. "음악이 좋아서 시작했는데 언제부터인가 의무가 되어버렸어." "재능의 한계를 느꼈을 때가 가장 힘들었지." 연기처럼 피어오르는 진솔한 고백들이었다. 같은 출발점에서 시작했는데 왜 어떤 사람은 계속하고 어떤 사람은 그만둘까. 그.

고등학교도 대학교도 실용음악과였다. 졸업 후 몇 년이 지나 동창회에 모였을 때, 절반 정도는 음악을 그만두거나 쉬고 있었다. 한때 같은 꿈을 꾸었던 친구들이 각자 다른 길을 걷고 있었다. 누군가는 아쉬워했고, 누군가는 담담했고, 누군가는 언젠가 다시 돌아올 거라고 말했다.